Canadian Participation at NIRIN, the 22nd Biennale of Sydney

NIRIN, the 22nd Biennale of Sydney, has been unique not only because it has occurred in the time of a global health crisis, but because of its curatorship. Brook Andrew, the Artistic Director of the 22nd Biennale of Sydney chose the title NIRIN for its meaning of ‘edge’ in the Wiradjuri language of his mother’s people. To communicate this vision of edge, seven themes were created, all in the Wirajuri language:

  • Muriguwal Giiland meaning ‘different stories’
  • Bila meaning ‘river’ to signify the environment
  • Gurray meaning ‘transformation’, which each artist hopes to incite with their unique perspective
  • Ngawal-Guyungan meaning ‘powerful ideas’
  • Dhaagun meaning ‘earth’, in this context the place in which connection and collaboration occurs as well as being the way in which sovereignty has been defined
  • Yirawy-Dhuray meaning ‘yam-connection’ representing food and the sharing of resources
  • Bagaray-Bang meaning ‘healing’

Bringing these together, NIRIN demonstrates the way in which multiple edges form a new centre and a new conversation. All the artists selected do not belong to the mainstream, living on the political and cultural fringe: people of colour, those who are queer, non-binary, from minority groups and not necessarily considered ‘artists’ in the traditional sense of the word. For Siksika artist Adrian Stimson, this is not the first time he has exhibited in Australia exploring hidden subject matter. In 2016 he contributed to With Secrecy and Despatch that marked the 200th anniversary of the Appin Massacre in New South Wales. For the Biennale, he again explored themes of deconstructing the colonial narrative, addressing violence and trauma as well as reclaiming Indigenous sexual identities using his artistic personas of Buffalo Boy, a parody of Buffalo Bill, and Naked Napi to reflect his two-spirited identity.

Also exploring concepts of gender and identity were the mixed media works of Jes Fan titled Form begets Function and Function begets Form. Using materials to explore the way in which identity is built and notions of race and gender are created, these included urine, estrogen, semen, blood, testosterone and melanin. The use of melanin, a primary basis of race categories in his sculptural work as well as the video installation Xenophoria have particular global relevance due to the way COVID has brought sinophobia to the fore, inspired by the works of Chinese medical artist Lam Qua.

The aabaakwad conference that marked the beginning of the NIRIN began with a discussion between Brook Andrew and Wanda Nanibush, curator of Indigenous Art at the Art Gallery of Ontario. Meaning ‘it clears after the storm’ in the Anishinaabe language of Nanibush’s people, the vision introduced was that Indigenous art becomes something that is Indigenous led, speaking not just to future Biennales but to arts culture in general. Elle Máijá Tailfeathers’ contribution to the Biennale is a highly personal short film that speaks to this importance of autonomy as she shared her story. Titled Bihttoš, the film is a mixed media piece comprised of film, animation, family photos and historical photographs with Tailfeathers’ narration throughout. She takes the viewer through her parent’s love story, her mother a Blackfoot woman from Canada, her father a Sámi man from Sápmi and her experience as someone growing up with two First Nations parents passionate about the rights of their people as well as the toll intergenerational trauma has in their lives.

In his curation Brook Andrew observed that previous Biennales drew sharp Eurocentric distinctions between artistic styles and used this as the basis of what not to do. The inclusion of Adrift Lab is an example of this unique approach. A scientific organisation led by a team of Canadian and Australian scientists investigating everything adrift on the ocean is not typically associated with art. However, Sublethal, their exhibition piece using materials from their work on Lorde Howe Island does just that, combining science and art to make an environmental statement. Showcasing the general complacency of society towards ocean pollution, they presented piles of plastic gathered through research and videos of dissected birds with stomachs filled with rubbish.

Dealing with the environment, but in a different way, was the work of Vancouver based artist Randy Lee Cutler. Collaborating with Australian artist Andrew Rewald, they created Mineral Garden, exploring the relationship between humanity and ecology. By putting a queer lens on Western history, an alternate way of interacting with the natural world is suggested with inspiration from mineralogy, eco-feminism and sustainable agriculture informing this new world.

Speaking to the effect of environmental ruin on the Inuit people, Taqralik Partridge created artistic pieces that speak to the wider effect on the global Indigenous community and to humanity at large. Her largest work was an installation piece of written text with accompanying audio on the loss of resources. The text was inspired by the work of Brazilian artist Denilson Baniwa and written in multiple languages: Dharug Dlang, English, Inuktitut, Latin script and Inuktitut syllabics, signifying the universality of this concern.

During the aabaakwad conference Nanibush spoke of her observation that First Nation artists tend not to make strict divisions between activism and art whilst also dealing with the prejudice of not being seen as belonging to the canon of ‘art’. Although not all artworks of the Biennale are the work of Indigenous and First Nations artists, all come from a spirit of activism making the Biennale an educational experience. Creating installation pieces of humanitarian activism, Egyptian, Armenian Canadian artist Anna Boghiguian’s work was inspired by a residency at Monash Art Design & Architecture. Focused on diasporic communities and the impact of being displaced from land, The Uprooted explored the way a community’s way of life is connected to ancestral land. This exploration of displacement was explored not only through the perspective of immigrant communities but the experiences of the Aboriginal people of Australia.

Throughout the Biennale venues were recurring installations of ‘Powerful Objects’ – items of historical and cultural significance, a fibreglass 3D print of a sacred Dendroglyph, felled and taken from Kalimangl Bora Ground in northern New South Wales to England to name just one. These reflect the impression NIRIN made, that art is a powerful means of education, enacting change and creating new conversations.

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A Q & A with Barbara Moore, CEO of the Biennale of Sydney


We spoke to Barbara Moore about the Biennale that has just passed; its cultural impact, the Canadian artists who participated, the impact of COVID and what the future holds with the artistic director of the 23rd Biennale of Sydney recently announced.

Canada Down Under:
NIRIN put the voices of people on the political and cultural fringe on centre stage through the curatorship of Brook Andrew. What has the response been to such a strong message of activism through art?

Barbara Moore: Under the artistic direction of Brook Andrew, the 22nd Biennale of Sydney, titled NIRIN, is artist- and First Nations-led, presenting an expansive exhibition of contemporary art that connects local communities and global networks. NIRIN proposes that creativity is an important means of truth-telling, of directly addressing unresolved anxieties and imagining new self-defined futures. Many artists in NIRIN present strong messages of activism as a strategy to move forward and connect. With the current global political climate reflecting the anxieties of the COVID-19 pandemic, climate change and racial injustice, the response to NIRIN’s activism has been immensely supportive with deep and sustained audience engagement to the themes, ideas and artworks of NIRIN.

Canada Down Under: So many Canadian artists were featured in this Biennale: Adrian Stimson, Jes Fan, Elle Máijá Tailfeathers, Adrift Lab, Randy Lee Cutler, Taqralik Partridge and Anna Boghiguian. Why were these particular artists chosen?

Barbara Moore: Canada has highly talented Indigenous and non-Indigenous artists, creatives, curators and filmmakers whose concepts and ideas resonate strongly in an Australian context. The participants in NIRIN celebrate indigenous perspective and values, ideas of intersections of gender, art, science, and technology, and explore our global histories and stories. Their multiform, collaborative, intergenerational creative practices are deeply embedded in community and language and, under Brook Andrew’s vision for NIRIN, we were so pleased to exhibit these Canadian artists as part of the 22nd Biennale of Sydney. We are also sincerely thankful to the Canada Council for the Arts, Global Affairs Canada, and the Art Gallery of Ontario whose support of the artists and the exhibition making their participation and inclusion in this international discussion possible.

Canada Down Under: Considering the impact of COVID, what are your hopes and fears for the arts in both Canada and Australia?

Barbara Moore: I feel it is the responsibility of collective communities to support the tremendous work of the arts, acknowledging and reaffirming their contributions to our social, cultural, and mental wellbeing. The arts are part of what make us human. In one form or another, they are essential to our wellbeing. Through the pandemic, and beyond it, artists can lead us through the turmoil, with innovation, reflection, optimism, and creativity that feeds our souls and helps us look to the future filled with possibilities. Hopefully, we all find benefit in this pandemic, such as the positive effects it has had for our planet and shift our priorities so that these benefits continue long into the future. If we all shift our thinking to being artist-led and First Nations-led, the world will be better off, and a much more enjoyable place for all of us to live.

Canada Down Under: COVID temporarily put a stop to the Biennale and from this a fantastic Google Arts & Culture site was created that allowed people to have a virtual experience of the event. What are your thoughts on the virtual experience of art not just for this Biennale and for future festivals?

Barbara Moore: A digital experience provides opportunities for engagement with contemporary art that complement a physical exhibition, not substitute, or replace it. The average time people engage with art in real life is 17 seconds, whereas our audiences are engaging with NIRIN digital content for an average of 90 seconds. So digitally, people are engaging with content and concepts more deeply, whereas the physical experience includes a more holistic approach, including sound, smell, and light, for example. The digital and physical experiences are quite different, and understanding the differences, and the strengths of each, will help inform planning for future festivals. This year, to ensure our digital content was engaging and aligned with audience expectations, the Biennale of Sydney partnered with Google Arts & Culture, experts in digital, to help ensure artists in NIRIN were enabled to share their work with the world, bringing people, ideas, and stories closer together during a very isolating time.

Canada Down Under: Throughout the Biennale venues was the recurring installation of ‘Powerful Objects’. What was the significance of these pieces?

Barbara Moore: Under the artistic direction of Brook Andrew, the 22nd Biennale of Sydney, titled NIRIN, demonstrates how artists have the power to inspire and lead through difficult times, such as environmental disasters and urgent times of social transformation, to reframe histories. The recurring installation Powerful Objects is a selection of ephemeral and cultural objects and documents from private and public collections. This intervention emerged out of Brook’s vision to complement the works of NIRIN and to remind us of forgotten or ignored histories, ceremonies and trajectories set forth by artists and communities before us. Brook’s vision was for these objects to help reignite and sustain our connection to each other across times, places and people that may not be immediately apparent.

Canada Down Under: The artistic director of the 23rd Biennale has recently been announced as José Roca. What do the next two years look like in this new world where travel is so limited, impossible for some?

Barbara Moore: After an extensive international search, the Biennale of Sydney is excited to have Columbian curator José Roca as the Artistic Director of the 23rd Biennale of Sydney. José will be moving to Sydney for the duration of the process and, in addition to working with a local Curatorium, will rely on a trusted network of colleagues worldwide to help undertake research for the exhibition. With travel restrictions over the next two years being limited, we will work with our local and international colleagues to ensure the themes, ideas, and artworks of the 23rd Biennale of Sydney are created collegiately and shared widely.

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Canadian participation at the Biennale of Sydney NIRIN was supported by The Canada Council for the Arts, Global Affairs Canada and the Art Gallery of Ontario.

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Alex Robinson
Document Photography
Jessica Maurer
Ken Leanfore
Zan Wimberley

Participation canadienne à NIRIN, la 22èmee Biennale de Sydney

NIRIN, la 22ème Biennale de Sydney, fut unique, non seulement parce qu’elle a eu lieu en pleine crise sanitaire mondiale, mais aussi par sa gestion. Brook Andrew, le Directeur artistique de la 22ème Biennale de Sydney a choisi le titre de NIRIN, parce qu’il signifie ‘marge’ en Wiradjuri, la langue de son peuple maternel. Pour transmettre cette idée de marge, sept thèmes ont été créés, tous en Wiradjuri :

  • Muriguwal Giiland qui signifie ‘histoires différentes’
  • Bila qui signifie ‘rivière’ pour rappeler l’environnement
  • Gurray qui signifie ‘transformation’, que chaque artiste espère inciter à travers une perspective unique
  • Ngawal-Guyungan qui signifie ‘idées fortes’
  • Dhaagun qui signifie ‘terre’, dans ce contexte l’endroit où se produisent connexion et collaboration mais aussi la manière qui définit la souveraineté
  • Yirawy-Dhuray qui signifie ‘connexion avec l’igname‘ représentant la nourriture et le partage des ressources
  • Bagaray-Bang qui signifie ‘cicatrisation’

En les associant, NIRIN démontre comment des marges multiples forment un nouveau centre et engagent une nouvelle conversation. Tous les artistes sélectionnés ne font pas partie de la majorité, car vivant dans la marge politique et culturelle ; personnes de couleur, personnes queer, non-binaires, appartenant à des groupes minoritaires et pas forcément considérées des artistes dans le sens traditionnel du terme. Pour l’artiste Siksika Adrian Stimson ce n’est pas la première exposition de matière secrète en Australie. En 2016, il a participé à With Secrecy and Despatch qui marquait le 200ème anniversaire du massacre de Appin en Nouvelle Galles du Sud. A l’occasion de la Biennale, il a exploré de nouveau la déconstruction du narratif colonial, en évoquant la violence et le traumatisme, et en revisitant les identités sexuelles autochtones par l’utilisation de son personnage Buffalo Boy, parodie de Buffalo Bill, et Naked Napi pour indiquer sa double identité spirituelle.

Explorant également les concepts de genre et d’identité, Jes Fan propose des œuvres issues d’une variété de matériaux qu’il intitule Form begets Function et Function begets Form. Pour explorer la manière dont l’identité est construite et les notions de race et de genre sont créées, divers matériaux sont utilisés y compris urine, œstrogène, sperme, sang, testostérone et mélanine. S’inspirant des travaux de l’artiste médical chinois Lam Qua pour signifier la pertinence mondiale spécifique en notant la façon dont la Covid a entraîné une sinophobie, la mélanine, une base primaire des catégories raciales, a été utilisée dans sa sculpture et dans l’installation vidéo Xenophoria.

La conférence aabaakwad en introduction à NIRIN a débuté par une discussion entre Brook Andrew et Wanda Nanibush, Commissaire des Arts autochtones au Musée des beaux-arts de l’Ontario. Signifiant ‘éclaircie après l’orage’ en langue Anishinaabe du peuple Nanibush, l’idée présentée est celle que l’art autochtone devient un concept autochtone, qui s’adresse non seulement aux Biennales futures mais à la culture artistique en général. La contribution de Elle Máijá Tailfeathers à cette Biennale est un court-métrage hautement personnel qui évoque l’importance de cette autonomie par le partage de son histoire. Intitulé Bihttoš, ce court-métrage est une composition de différents matériaux y compris film, animation, photos de famille et photos historiques que Tailfeather commente tout le long. Elle accompagne le visiteur à travers l’histoire d’amour de ses parents, sa mère étant une femme Blackfoot du Canada et son père un homme Sámi de la région Sápmi, et décrit son expérience en tant que personne ayant grandi avec deux parents autochtones passionnés par les droits de leurs peuples autant que par le traumatisme intergénérationnel imposé à leur vie.

En préparant cette exposition, Brook Andrew a observé que les Biennales précédentes indiquaient des distinctions euro-centriques précises entre les styles artistiques et il s’en est servi comme modèle à ne pas suivre. L’inclusion de Adrift Lab est un exemple de cette approche unique en son genre. Une organisation scientifique conduite par une équipe de scientifiques canadiens et australiens analysant tout ce qui flotte à la dérive sur les océans n’apparaît pas avoir de lien particulier avec l’art. Pourtant, Sublethal, l’œuvre présentée à l’exposition qui reprend des éléments de leur travail sur Lord Howe Island en est une preuve, associant science et art pour en faire une déclaration environnementale. Exposant le manque d’intérêt généralisé de la société au vu de la pollution marine, ils présentent des amas de plastique que leur recherche met à jour et des vidéos d’oiseaux en dissection dont les estomacs regorgent de détritus.

Toujours concerné par l’environnement, mais d’une manière différente, on découvre l’œuvre de l’artiste de Vancouver Randy Lee Cutler. En collaboration avec l’artiste australien Andrew Rewald, il crée Mineral Garden, une exploration de la relation entre l’humanité et l’écologie. En projetant une vue queer sur l’histoire occidentale, une interaction alternative avec le monde naturel est proposée s’inspirant de minéralogie, éco-féminisme et agriculture durable comme base d’information pour ce nouveau monde.

Evoquant les conséquences des dégâts environnementaux sur le peuple Inuit, Taqralik Partridge crée des œuvres artistiques qui expriment les conséquences plus larges sur la communauté autochtone mondiale et l’humanité dans son ensemble. L’une des œuvres exposées est un texte écrit en grande dimension accompagné d’un commentaire oral sur la perte des ressources. Le texte est inspiré du travail de l’artiste brésilien Denilson Baniwa et traduit en plusieurs langues : Dharug Dlang, anglais, Inuktitut, latin script et Inuktitut syllabique, pour signifier l’universalité de cette préoccupation.

Au cours de la conférence aabaakwad, Nanibush a déclaré avoir observé que les artistes autochtones avaient tendance à ne pas séparer militantisme et art tout en confrontant le préjugé de ne pas être considéré comme appartenant à ‘la communauté artistique’. Bien que toutes les œuvres de cette Biennale ne soient pas des œuvres d’artistes Indigènes et Premières Nations, toutes sont issues d’un esprit de militantisme faisant de la Biennale une expérience éducative. En créant des œuvres de militantisme humanitaire, l’artiste Canadienne d’origine arménienne et égyptienne, Anna Boghiguian propose un travail inspiré de sa résidence à la faculté Art Design & Architecture de l’Université de Monash. En se concentrant sur les diasporas et l’impact des communautés déplacées, The Uprooted explore la façon dont la vie d’une communauté est connectée à sa terre ancestrale. L’étude de ce déplacement fut explorée non seulement à travers la perspective des communautés immigrantes mais aussi les expériences des peuples Aborigènes d’Australie.

Disséminés dans la Biennale, on a pu voir des installations de ‘Powerful Objects’, des éléments de signification culturelle et historique, une impression 3D en fibre de verre d’un dendroglype sacré abattu et déplacé de son site à Kalimangl Bora Ground en Nouvelle Galles du Sud pour être exposé en Angleterre pour n’en citer qu’un. Tout cela reflétant l’impression faite par NIRIN que l’art est un moyen puissant d’éducation, de changement et d’ouverture de nouvelles conversations. 

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Questions-Réponses avec Barbara Moore, Directrice de la Biennale de Sydney


Nous avons parlé à Barbara Moore de la Biennale qui vient de se terminer; son impact culturel, les artistes canadiens qui y ont participé, l’impact du COVID et quel sera l’avenir avec le directeur artistique de la 23ième Biennale de Sydney qui a récemment été annoncé.

Canada Down Under :
NIRIN a placé sur la scène centrale les voix de ceux et celles qui se trouvaient en marge politique et culturelle et cela grâce à l’intervention de Brook Andrew. Quelle a été la réaction face à un tel message de militantisme à travers les arts ?

Barbara Moore : Sous la direction artistique de Brook Andrew, NIRIN, la 22ème Biennale de Sydney, est portée par les artistes et les Premières Nations, présentant une vaste collection d’œuvres contemporaines qui connecte les communautés locales et les réseaux mondiaux.  NIRIN formule l’idée que la créativité est un vecteur important pour exprimer la vérité, pour évoquer directement l’anxiété en-suspens et pour imaginer des futurs auto-déclarés. De nombreux artistes profitent de NIRIN pour présenter un message militant comme stratégie de progrès et de connexion. Et alors que le climat politique mondial actuel reflète l’anxiété face à la pandémie de la Covid-19, au changement climatique et aux injustices raciales, la réaction au militantisme de NIRIN fut extrêmement positive, le public s’engageant profondément et constamment vis-à-vis des thèmes, des idées et des œuvres d’art exposées à NIRIN.

Canada Down Under : De nombreux artistes canadiens sont exposés à cette Biennale tels Adrian Stimson, Jes Fan, Elle Máijá Tailfeathers, Adrift Lab, Randy Lee Cutler, Taqralik Partridge et Anna Boghiguian. Pourquoi faire le choix de ces artistes en particulier ?

Barbara Moore : Le Canada possède des artistes de grand talent, qu’ils soient autochtones ou non, créateurs, commissaires d’expositions er réalisateurs dont les concepts et les idées font écho dans le contexte australien. Les participants à NIRIN célèbrent la perspective autochtone, ses valeurs, ses idées quant au croisement des genres, de l’art, de la science et de la technologie, et explorent notre histoire mondiale et nos narratifs. Leurs pratiques créatives, intergénérationnelles, collaboratives et aux formes multiples sont profondément ancrées dans la communauté et le langage, et dans la vision de brook Andrew, NIRIN est très heureux de présenter ces artistes canadiens dans le cadre de cette 22ème Biennale de Sydney. Nous remercions sincèrement le Conseil des arts du Canada, les Affaires mondiales du Canada et le Musée des beaux-arts de l’Ontario pour leur soutien à ces artistes et à l’exposition rendant par-là possible leur participation et leur inclusion dans cette discussion internationale.

Canada Down Under : Prenant en considération l’impact de la Covid, quels sont vos espoirs et vos craintes concernant les arts au Canada comme en Australie ?

Barbara Moore : Je pense que c’est la responsabilité des collectivités d’apporter leur soutien au travail incommensurable de la communauté artistique, en reconnaissant et en réaffirmant leur contribution à notre bien-être mental, culturel et social. L’art contribue à ce qui fait de nous des humains. Sous une forme ou une autre, il est essentiel à notre bien-être. Pendant cette pandémie et au-delà, les artistes peuvent nous guider à travers le chaos, avec l’innovation, la réflexion, l’optimisme et la créativité qui nourrissent nos âmes et nous aider à envisager un avenir regorgeant de possibilités. Espérons que nous pourrons tous tirer avantage de cette pandémie, comme par exemple considérer les effets positifs que la situation a eu sur notre planète et réviser nos priorités pour que ces points positifs se prolongent au long terme. Si nous permettons à notre pensée de se laisser guider par les artistes et les membres des Premières Nations, le monde s’en trouvera bien mieux, et sera bien plus agréable à vivre pour nous tous.

Canada Down Under : La COVID a causé un arrêt temporaire à la Biennale entraînant la création d’un site fantastique de Google Arts & Culture qui a permis une expérience virtuelle de cet évènement. Que pensez-vous de cette expérience virtuelle artistique pas seulement pour cette Biennale mais aussi pour les futurs festivals ?

Barbara Moore : Une expérience virtuelle permet un engagement avec l’art contemporain elle complète une exposition physique, sans s’y substituer, ni la remplacer. En moyenne, le temps passé dans la vraie vie avec des œuvres artistiques est de 17 secondes par personne, alors que le public s’engage avec le contenu digital de NIRIN pour une moyenne de 90 secondes. On peut donc en déduire que le public s’engage plus à fond digitalement avec le contenu et les concepts, tandis que l’expérience physique exige une approche plus complète qui comprend par exemple les sons, les odeurs, la lumière. Les expériences physique et digitale sont très différentes, et en comprenant ces différences, et les atouts de chacune, c’est ce qui aidera à planifier les futurs festivals. Cette année, afin de nous assurer que notre contenu digital était intéressant et conforme aux attentes du public, la Biennale de Sydney s’est associée avec Google Arts & Culture, des experts du digital, pour permettre aux artistes de NIRIN de partager leurs œuvres avec le reste du monde, rapprochant les personnes, les idées et les narratifs durant cette sévère période d’isolement.

Canada Down Under : Disséminée dans la Biennale, on a pu voir l’installation de ‘Powerful Objects’. Quelle est la signification de ces éléments ?

Barbara Moore : Sous la direction artistique de Brook Andrew, NIRIN, la 22ème Biennale of Sydney, atteste que les artistes ont la capacité d’inspirer et de guider pendant des moments difficiles tels que les catastrophes naturelles et les moments urgents de transformation sociale pour recadrer les histoires. L’installation récurrente de Powerful Objects est une sélection d’objets et de documents éphémères issus de collections privées et publiques. Cette intervention est née de la vision de Brook Andrew qui s’est voulue complémentaire des œuvres de NIRIN pour nous rappeler les histoires oubliées ou ignorées, les cérémonies, les trajectoires présentées par les artistes et les communautés en aval. Dans la vision de Brook, ces objets nous aident à ranimer notre connexion à l’autre et la maintenir, au travers de périodes, d’endroits et de personnes qui ne semblent pas immédiatement présentes.

Canada Down Under : Le Directeur artistique de la 23ème Biennale a récemment été annoncé, il s’agit de José Roca. Quel est votre avis sur les deux années à venir dans un monde où les voyages sont limités voire impossibles pour certains ?

Barbara Moore : Suite à une recherche internationale de grande ampleur, la Biennale de Sydney est très heureuse d’accueillir le colombien José Roca à la direction artistique de la 23èmeBiennale de Sydney. José va s’installer à Sydney pour la durée des préparatifs et en plus de travailler avec un groupe local d’administrateurs, il s’appuiera sur un réseau fiable de collègues répartis dans le monde qui l’aideront à faire les recherches pour l’exposition. Au vu des restrictions limitant les voyages pendant les deux prochaines années, nous allons travailler avec nos collègues locaux et internationaux pour que les thèmes, les idées et les œuvres d’art de la 23ème Biennale de Sydney soient créées collectivement et largement partagées.

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La participation canadienne à NIRIN, la Biennale de Sydney, a reçu le soutien du Conseil des arts du Canada, Affaires mondiales du Canada et le Musée des beaux-arts de l’Ontario.  

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Alex Robinson
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Jessica Maurer
Ken Leanfore
Zan Wimberley